徐克，《超蛙战士》导演。导演圈已经有了老怪徐克了，如今又冒出个拍动画片的徐克，因为同名同姓，“小”徐克的动画片《超蛙战士》还经常被误认为是老怪的。祖籍湖南，生长在北京，出身于一个航天世家，父母为中国的航天事业贡献了一辈子，但是徐克没有继承父母的事业，从小喜欢画画和电影，在北京中国人民大学附属中学读书的时候，就去课外班学习美术，最终在父母的极力坚持之下，考进人民大学金融系专业。1990年去美国留学，也是读了MBA金融，毕业后从事了10年的投资银行工作。 辗转这么多年，徐克现在终于回到了他喜欢的东西，拍动画电影、电视剧。为了动画，徐克完全颠覆了过去的生活，从一个生活优越的高级经理人，变成一个“疯狂”的动画人，这招致了全家的反对，甚至很多朋友也嘲笑他“疯”了，不过这些都没阻止他的步伐。即使是公司几次濒临破产，他却一直对自己充满信心。徐克希望把SJS(上海河马动画设计有限公司/上海视金石动画有限公司)打造成中国的皮克斯(Pixar)，每年都能奉献出值得让全世界观众期待的动画大片。 徐克从小就非常喜欢画画，水木画、工笔、素描都画得不错，但父母并不赞同。在人大附中读书时，徐克去中央美院读了少年班，还被该校一个提早入学的项目录取，但在父母的坚持下，他只能老老实实考取了人大金融系。 后来，徐克去美国读了MBA学位，毕业后顺利进入一家投资公司。以他的教育背景和从业经历，他本来可以在美国过上清闲滋润的生活。但在2000年时，徐克毅然选择回到了中国。 徐克到了上海，加入复星集团出任投资银行部总经理，但很快发现这并不是自己想要的生活，便辞职离开，当时，一位好朋友问他到底想做什么，徐克说，自己的理想还是拍电影。 一直钟情于画画的徐克发现国内根本没有好的动画片，日韩欧美的产品占据了绝对的市场优势，就连自己的儿子也成了日漫的忠实观众，放眼望去，国内的动漫市场被外国人瓜分殆尽，他由此做出决定，做中国人自己的原创动画，做中国人自己的动画大片。

莫利奈·森（Mrinal Sen，1923年5月14日－2018年12月30日）是一位享誉国际的印度电影导演与编剧，以拍摄孟加拉语电影为主，亦创作过少量印地语和泰卢固语电影。他与萨蒂亚吉特·雷伊、里特维克·加塔克和塔潘·辛哈并称为印度电影的四大巨匠，是印度新浪潮电影运动的重要推动者之一。森在电影创作中展现了深刻的社会洞察力和独特的艺术风格，凭借其对人性与社会的描绘，被公认为最具影响力的印度电影人之一。

森一生获得无数国内外荣誉，包括18次印度国家电影奖。他被印度政府授予“莲花勋章”（Padma Bhushan），法国政府授予“艺术与文学勋章”（Ordre des Arts et des Lettres），俄罗斯政府则颁予他“友谊勋章”（Order of Friendship）。此外，他还荣获印度电影界的最高奖项“达达萨赫布·帕尔克奖”。作为少数几位在戛纳、威尼斯和柏林三大国际电影节均获奖的印度导演之一，森的成就无可比拟。他自称是一名“私人马克思主义者”，其政治信念贯穿于许多作品之中。

1969年，森执导了电影《布万·索梅》（*Bhuvan Shome*），此片被视为印度新浪潮电影运动的开端。在随后的创作中，他的电影作品逐渐带有更强的政治色彩，这与当时印度，尤其是加尔各答的社会背景密不可分。那个时期的印度正经历着政治动荡，特别是被称为“纳萨尔运动”的社会运动。森通过电影探索这些冲突，将视线从外部的敌人转向中产阶级自身的问题。他的这一创作转变被认为是其艺术生涯中最具创造力的阶段。

加尔各答这座城市在森的电影中占据着重要位置。从《再见》（*Punascha*，1961）到《大地之母》（*Mahaprithivi*，1992），加尔各答不仅是电影中的背景，更成为一个活生生的“角色”。森通过镜头展现了这座城市的人群、阶级分化、价值观念和街头景象，描绘了一幅关于加尔各答的城市风貌与社会变迁的宏大画卷，为观众留下深刻印象。

森的才华同样获得了国际认可。他曾多次受邀担任国际电影节评审，包括1982年的第32届柏林国际电影节、1983年的第13届莫斯科国际电影节，以及1997年的第20届莫斯科国际电影节。然而，他的政治立场也为他带来了一些争议。2012年，西孟加拉邦政府在一次表彰电影人的活动中，未向他发出邀请，据报道，这可能与他的政治观点有关。

2018年12月30日，森因心脏病发作在加尔各答巴瓦尼普尔的家中逝世，享年95岁。

弗朗西斯·福特·科波拉是名震世界影坛的大导演。1939年，他出生于美国底特律一个意大利移民家庭，其父是位音乐指挥家兼作曲家。科波拉童年时就混迹于剧院后台，还经常偷看父亲的演出。他从小就对电影十分着迷，17岁时，他进入了霍夫斯特拉学院戏剧系，在参加校内戏剧演出时，他几乎什么都能干。大学毕业后，科波拉进入加州电影学院专攻电影，其间，他应聘参加了好莱坞导演罗杰·考尔曼的摄制组，当了一名打杂工。

　　从加州电影学院毕业的科波拉起先充当的是编剧的角色。但一开始,名不见经传的他的作品往往被人忽视、贬低。直到1970年，他因《巴顿将军》（《PATTON》）一片获得奥斯卡最佳剧本奖时，他的才能才得到了社会的承认。

　　此后，科波拉又满怀热情地担任了导演的职务。他的最大的特点就是善于把影片的立意与美国观众的需要、美国社会的注意力相结合。1972年，科波拉执导了影片《教父》(《The Godfather》),他有意识地去表现了美国黑手党的活动与美国政界、司法界的关系，而且还从同情的视角去表现了这些黑社会人物的“人性”。他们并不是一般影片中常见的那种杀气腾腾的恶霸歹徒，而是同样重视家庭伦理的“严父”和“富有责任心”的“有志青年”。这种新的构思使美国观众有耳目一新之感，特别是影片宣传的那种奋斗精神与美国社会一贯提倡的“美国精神”十分契合，在观众中引起了极大的反响。

　　1974年，科波拉又执导了《对话》(《The Conversation》)一片。他十分巧妙地在影片中渲染了一种令人不安的气氛，从某一侧面反映出了美国公众当时出现的对美国政治和社会的那种惶惶不安情绪。影片广受好评，再次显示了科波拉杰出的导演才华。同年，科波拉还导演了《教父》续集（《The Godfather Part Ⅱ》)，该片又当之无愧地赢得了当年奥斯卡六项大奖。

　　《教父》和《对话》使科波拉获得了巨大的荣誉和商业成就，他更是踌躇满志，希望超过好莱坞历史上那些威名赫赫的电影巨头。经过数年的准备后，他决定独资拍摄《现代启示录》(《Apocalypse Now》1979)了。在该片中，他试图用哲学的观点来叙述以战争为代表的暴力如何使人异化的问题。为了拍摄这部巨片，他不惜血本，共耗资三千六百万美元。可是，命运不济，此片推出后，评论界一片死寂，他们看不懂科波拉想要说明什么，观众们对这部高成本新片也并没有表现出科波拉曾经斯待过的热情。该年度的奥斯卡奖角逐中，该片也榜上无名，这对欠下重债的科波拉无疑又是一个沉重的打击。

　　继《现代启示录》之后，科波拉为挽回损失，接连拍摄了《One From Heart》(1982)、《The Outsiders》（1983）、《Rumble Fish》（1983）、《The Cotton Club》(1984)、《Peggy Sue Got Matted》(1986)、《Gardens of Stone》（1987）、《The Man and His Dream》(1988)以及《New Youk Stories》(1989)等诸多影片，但大多反映平平，近乎失败。八十年代的科波拉因此而几乎一蹶不振。但是，经历大劫的科波拉还是挺过了难关。1990年，《教父》第三集（《The Godfather Part Ⅲ》）的推出重新为科波拉赢得了昔日的殊荣。而此后的《Barm Stoker's Dracula》(1992) 与《Mary Shelley's Frankenstein》(1994)亦同样使科波拉再显辉煌。最近，科波拉一改老路，拍摄了一部内蕴悲凉的喜剧片《杰克》（《JACK》1996）。对该片的执导使他回想起了自己幼时因患小儿麻痹症而被隔离的孤独与恐惧感，这也使他在导演该片时更能融入自己的深切体会。影片以喜剧形式向人们阐述了珍惜光阴的生活理旨，受到了公众的一致好评。

　　弗朗西斯·福特·科波拉、马丁·斯科塞斯、乔治·卢卡斯、史蒂文·斯皮尔伯格合称好莱坞80年代四大导演。

台湾著名电影学者、影评家、剧作家，同时也是著名的电影评论人、电影制片人，金马奖评委会主席，人称“台湾电影教母”，一直是台湾年轻影人的幕后推手。祖籍山西高平，生于台湾台北。1995年毕业于台湾政治大学新闻系。后任《世界电影》编辑和《中国时报》记者。1981年毕业于美国德州奥斯汀分校影视专业硕士学位。就读于UCLA博士班。1981年返台。任国立艺术学院专职讲师，为《中时晚报》撰稿及《联合报》专栏影评人。为台湾新电影作了理论上的论述与介绍。策划出版了《电影馆》丛书等，监制作品有《香港情怀》、《望乡》、《洞》、《十七岁的单车》等。现任台湾电影中心主任、吉光电影公司董事长，并任教于台北艺术大学电影创作研究所。1989年与邱戴安平合作创作电影剧本《阮玲玉》由关锦鹏执导搬上银幕。该片获第28届台湾金马奖评审团特别奖、第十二届香港金像最佳女主角奖等5项奖、第四十二届西柏林电影节最佳女演员奖等。著有《焦雄屏看电影——台湾系列》、《焦雄屏看电影——好莱坞系列》、《香港电影风藐》等。与台湾新电影作家侯孝贤、杨德昌等有深交。

　　李安生于中国台湾屏东县潮州镇，高中原就读台南二中，后转学考进了台南第一志愿——台南一中（注：其父先后曾任两校校长）。对于读书，李安一点兴趣都没有，心里只想着当导演。大学考试落榜两次，后来准备专科考试，进了国立台湾艺专（今国立台湾艺术大学）影剧科，从此改变了李安的一生。

　　李安曾言，住在花莲的八年，乃其北上就读艺专前最快乐的一段学习岁月。十岁之前的李安在花莲曾就读于两所小学，接受的是美式开放教育；来到台南后，先后又就读于两所小学。面对语言习惯的不同，李安经历了第一次文化冲击。

　　少年李安的电影梦，缘起于1961年的台南市全美戏院。

　　李安曾说，读高中时，最爱到专播二轮片的“全美戏院”看电影，尤其是美国八大电影公司的电影，全美是他学生时代最常造访的地方。

　　李安于1979年赴美就读伊利诺伊大学香槟分校戏剧系取得学士学位，后于1981年至纽约大学就读电影制作研究所，取得硕士学位。

　　李安的妻子林惠嘉是伊利诺伊大学香槟分校生物学博士，现任纽约医学院病理学研究员。

　　李安自纽约大学电影研究所第一名毕业后，因未得拍片机会而在家当了6年“家庭主夫”，妻子工作赚钱，他负责带小孩、并且擅长烹饪。直到1991年，台湾的中央电影公司找他拍摄《推手》一片，方才一战成名。李安和侯孝贤一为学院出身，一为电影学徒，叙事形式也因而各分好莱坞与写实主义路线差异，但都是中央电影公司挖掘出的当代重要华人导演。

　　李安的电影贡献在于他既充分接受西方电影技巧，以隐约的批判观点来表达个人自由的追求，重新与传统华人文化展开对话。李安的电影具有浓厚现代感和生活感，与现今华人社会因经济巨变所带来的社会发展更加吻合，同时他也对西方文化有非常细腻的体验。《理智与情感》呈现前维多利亚时期的英国社会风情。《断背山》描绘1960年代的美国西部牛仔之同性恋。这些电影都得到了西方影评界和观众的赞誉。更难能可贵的是，赞赏李安并非少数学院影评家，而是一般大众。2007年的导演作品《色，戒》同样是年度话题之作，获得了媒体和影评人的赞誉。2008年导演作品《制造伍德斯托克音乐节》，入围第62届戛纳影展主竞赛单元。

蔡明亮，中国台湾影视导演、编剧。生于马来西亚。就读于中国文化大学，专修电影与戏剧。毕业后从事话剧与电视剧、电影导演的工作。

1977年来到台湾，先在师大修中文，当时老师就鼓励他，读自己感兴趣的戏剧。1978年，他考入了台北中国文化学院（后改名为中国文化大学）戏剧系影剧组。就读中国文化大学影剧系，在校期间开始写舞台剧剧本，并亲自执导三部作品：1981年的《速食酢酱面》、次年的《黑暗里打不开的一扇门》以及1983年他自编、自导，并独自一人演出的作品《房间里的衣柜》，他以幽默的手法来处理关于现代社会、寂寞、都会生活形态的狂乱等主题，像在《房间里的衣柜》中，他尝试探讨的主题是城市居民有意识的自我防卫手段，这也成为他日后作品中不断出现的议题。

蔡明亮之后的十年，他置身于电视工作从事剧本写作。随后，他重回剧场工作，也从事戏剧课程的教学。1989年回到电视工作，他写了一些剧本，并完成数部单元剧，像《海角天涯》等，这成为他前几部电影长片的前置准备工作。

1991年，在他为电视拍摄剧情片《小孩》的机缘里，蔡明亮在一个青少年聚集的电动游乐场里发现得李康生。在从没有接受过任何表演课程的情况下，他还是成为蔡明亮最钟爱的演员。蔡明亮为他写了《青少年哪吒》的剧本，从此他便以小康为名，成为蔡明亮影片里的核心人物。1993年《青少年哪吒》获得东京影展铜奖，蔡明亮从此跃升国际影坛。

1994年的《爱情万岁》，没有大量的言语对白地呈现台北的冷漠与疏离，影像书写风格特殊惊艳国内外，获得威尼斯影展金狮奖、费比西奖、金马奖最佳影片以及最佳导演奖，奠定蔡明亮在影坛的地位，从此拍摄作品获奖不断。

1997年，《河流》获得柏林影展银熊奖和国际新闻奖、芝加哥国际影展银雨果评审特别奖、圣保罗国际影展影评人奖、新加坡国际影展评审特别奖。

1998年完成《洞》，这是法国《2000年见闻》（2000 vu par）系列影片中的一部，以《度过新的千禧年》为主题，由Haut et court制片公司与欧洲艺术电视台法国部门La-Sept-Are共同委托制作。蔡明亮并以《洞》获得1998年坎城影展费比西奖，芝加哥国际影展金雨果最佳影片，新加坡国际影展最佳亚洲导演、最佳亚洲影片奖。

2001年，《你那边几点》延续蔡明亮一贯风格，深刻诠释台北城及地球彼端的花都巴黎的两段生活。《你那边几点》参加坎城影展竞赛项目，并获得最佳技术奖录音项目（杜笃之）、芝加哥影展评审团大奖、最佳导演、最佳摄影奖、第46届亚太影展最佳影片、最佳导演、最佳女配角以及第38届金马奖评审团影片特别奖、个人特别奖。

2002年，完成短片《天桥不见了》，《天》片是《你那边几点》的延续。从《青少年哪吒》到《你那边几点》，蔡明亮以不同的观点来探讨现代都市人的欲望与追求、梦想与孤独，展现他观察人与周围环境的关系与互动的创作的概念。

2003年，蔡明亮原计划与李康生分别执导《不散》、《不见》两部相互关联的短片，但两部片子拍好后的时间远远超过了原定计划，风格上也有较大差异，最终成为了两部形式与内容各自独立的长片。《不散》这部短片的源起可从福和戏院谈起。当初蔡明亮的《你那边几点》不但在福和戏院取景，还在这里举办首映会，吸引了大批影迷，后因福和戏院歇业，蔡明亮便租下福和戏院半年打算拍短片，即便当时脑海中还没有任何题材。碰巧，李康生的短片剧本出炉，蔡明亮便有了拍摄《不见·不散》这支短片的计划。

李康生在《不见》片中讲述了两个互不相干的人物，一位在寻找走失了孙子的阿妈，一位走失了爷爷的孩子。阿妈为了寻找孙子寻求生死两界帮忙，两者却都爱莫能助；孩子并不寻求任何人的帮忙，而是忙于虚拟世界的游戏。该片由苗天、陆奕静主演。蔡明亮则把《不散》描述老戏院停业前最后一晚发生的活动，呈现蔡明亮惯有的风格，对白只有十句左右，充满怀旧气氛与黑色幽默。片中不断出现《龙门客栈》的片段，借此表达向胡金铨以及早期武侠片的致敬，由李康生、陈湘琪、苗天和杨贵媚主演。

2005年，蔡明亮拍摄新片《天边一朵云》。在蔡明亮的定义里，《天桥不见了》像是《你那边几点》和《天边一朵云》之间的桥梁，既可以和前作连续著欣赏，也可以单独存在。《天》片有法国资金也有新闻局的辅导金及自筹的经费，拍片预算七、八百万台币。《天边一朵云》是情色歌舞片，蔡明亮选好六、七○年代的十首老歌，陈湘琪、杨贵媚、李康生主演，李康生饰演一名A片演员，为此，蔡明亮还特地深入考察台湾A片的近况。可能是由于媒体对情色内容渲染过头，《天边一朵云》在台湾票房表现出色，超过了2千万新台币。

广东梅县（现梅州）人，生于上海，成长于台北，1965年毕业于台北建国中学，1969年毕业于新竹国立交通大学控制工程系（今电机与控制工程学系）。后赴美国，1974年在佛罗里达大学获电机工程硕士。之后南加州大学学习研究电影一年，杨德昌后来以电脑工程师身份往美国西雅图华盛顿大学（University of Washington, Seattle，简称UW）从事计算机微处理器与软件设计，并在那里工作了7年。在西雅图，杨德昌从德国新电影得到很大启示——尤其德国新电影四杰之一韦纳·荷索的《阿基尔，上帝的愤怒》，因为他证明精彩的电影可以一个人做而不必倚赖巨大投资，或者更直观的说让杨德昌明白了电影原来可以这样拍。

1981年回到台湾，与詹宏志、余为彦、徐克等人参与独立制作《1905年的冬天》，担任编剧及演员，此片后来入选戛纳影展“一种注目”单元。随后参加张艾嘉制作的台视节目“十一个女人”系列剧集，导演其中“浮萍”单元，颇受好评。1982年，被中影启用为导演，与柯一正、张毅、陶德辰合拍《光阴的故事》，由于本片在各方面的创新尝试，让他与侯孝贤齐名，被公认为“台湾新电影”重要先驱之一。1983年创作其第一部剧情长片《海滩的一天》，以复杂的叙事结构，讨论社会转型中的女性议题及转型后的都会空间对人的影响，引起诸多讨论，也被认为是引进台湾新电影最重要的一部电影之一，虽然片长远超过传统电影的放映时间（二小时四十七分），但是在杨德昌的坚持下，原片一刀未剪，创下先例。

1985年的《青梅竹马》，探讨台湾社会转型过程中的男女心理。1986年拍摄《恐怖份子》，以其特殊的叙事风格，及对现代都市中人们深刻的观察，获得国际许多奖项的肯定。1989年成立“杨德昌电影公司”，1991年拍摄《牯岭街少年杀人事件》引起广大的讨论，杨德昌更被日本“电影旬报”选为年度电影奖的最佳外国导演。1993年将电影公司更名为“原子电影公司”，1994年的《独立时代》获得第三十一届金马奖最佳原著剧本奖。1996年拍摄《麻将》，获得柏林影展评审团特别奖。2000年的《一一》，承续以往擅长的多条叙述线、理性思辩的叙述风格，深刻检视当代的台北都会，更为他夺得至高荣誉的戛纳影展最佳导演奖，成为目前为止，唯一获得这项殊荣的台湾籍导演。

杨德昌的电影主要描绘台北城市在生活型态转变下，华人中产阶级的感情生活，运镜笔触细腻，与侯孝贤的乡土电影形成鲜明对比。杨德昌与台湾歌手蔡琴曾有过十年婚姻，但由于杨德昌外遇，结果以离婚收场。第二任妻子是杨德昌的外遇对象，也就是钢琴家彭铠立，两人育有一子。

杨德昌和妻子彭铠立在企业出资下，共同成立经营铠甲娱乐科技公司，进军网络动画事业。杨德昌病逝后，彭铠立便辞去执行长职务。2007年6月29日下午杨德昌（美西时间）因结肠癌于美国洛杉矶比佛利山庄去世，享年59岁。杨德昌和病魔对抗的最后一段日子，其实一直没有放弃创作，除了和影星成龙合作的动画“追风”没机会完成，杨德昌忍着病痛，又构思出一部动画新片，片名叫做“小朋友”，他在过世前，将手稿寄给好友张毅，妻子彭铠立也向张毅透露，杨德昌过世前，手还握著画笔。

The man who revolutionized Tamil-language cinema, Mani Ratnam is the biggest director in south India and one of the most respected directors in all of India. Each of his films contain its own unique style, with beautifully photographed songs and unique back-lighting. However, his films contain substance as well as style--Ratnam has dealt with a wide variety of topics, from the classic Indian love story to political thrillers.

He was born in Madras in 1956. Filmmaking was in his blood; he was the son of film producer 'Venus Gopalratnam' and his brother was G. Venkateswaran, a film distributor turned producer. Ironically, however, he studied at Madras University and received a management degree at the Jamnalal Bajaj Institute of Management Studies in Mumbai, and had initially started out as a management consultant. His first film, Pallavi Anu Pallavi (1983), starring Anil Kapoor, didn't make many waves, although it won the State Award from Karnataka that year, but even though he made two films in Tamil and one in Malayalam, nothing worked for him until he broke through with Mouna Ragam (1986). Starring Revathy, the film told the tale of a woman who, although forced into an arranged marriage, chooses to maintain a platonic relationship with her husband. The film was noted for its sophisticated approach and execution of an extremely sensitive topic.

His next film, Nayakan (1987), was also arguably his greatest. A take-off on Francis Ford Coppola' legendary The Godfather (1972), it established Ratnam as the leading director of Tamil-language Cinema and won its leading actor Kamal Haasan the National Award for Best Actor. The film draws on 30 years of Tamil Nadu's celebrity images and directly played to the anti-Hindi feelings of Tamil Nadu when the protagonist, beaten up, tells the Hindi policeman in Bombay, "If I ever hit you, you will die!"